至爱梵高 豆瓣评分「豆瓣87高分提名金球奖的至爱梵高是否是传说中的高级粉丝电影」
文森特·梵高二十九岁第一次拿起画笔，三十七岁自杀身亡，短短八年的时间成为了这个世界上最伟大的艺术家之一，却被这个世界所抛弃，用死亡表达了对艺术最忠诚的信仰。
《至爱梵高》电影预告片一在中国上映就引来了热烈的反响。英国《独立报》称赞它：叹为观止。美国《华盛顿邮报》称让梵高的画重新复活。
而在国内，特别是关注艺术关注梵高的圈子，都在刷这一部 B 格很高的高级「粉丝电影」。豆瓣评分高至8.7。
2015年，为了纪念梵高忌辰125周年，波兰画家、导演 多洛塔·科别拉 想要致敬这位天才画家。他和奥斯卡获奖制片人 休·韦尔什曼 一起在美国众筹网站 kickstarter 上发起了一次众筹，获得了巨大的成功。
影片于2017-12-08在中国上映，片长共95分钟，制作却长达 7 年，全世界的15个国家的125位画家通过深入调查了梵高生前的 800 封书信，共同完成了 65000 张油画，以 12 幅/秒的速度叠加成这部油画电影作品。这部动画电影是史上第一部全手绘油画长片。
事实上，动画电影是个复杂浩大的工程，这个工程量可想而知。本片的亮点之一就是其独特的表现手法，观众看到电影里的每一帧画面，都来自于真实的油画。为了达到在预告片中观众所看到的效果，这125名画师，经过统一的培训，对梵高生前120多幅作品进行复刻，然后将这100多名画师所绘的62450幅油画，通过每秒12幅油画的速度进行放映。
电影想要探索梵高的精神世界与死亡之谜。电影采用定格动画的拍摄手法，通过手绘的方式展现出这位悲情画家颇具戏剧化的一生。
2、关于梵高陈丹青调侃过，梵高如果来中国报考美术学院，准考证都拿不到！这只能说梵高不随大流，太富有个性。梵高活了37年，但三十岁才开始画画，可见其天才程度。梵高的母亲本身是个画家，或许是在家庭的耳濡目染下，梵高有着极其富有天赋的绘画手法和毒辣的眼光。
他一直都在亲近底层人民，即便后来远赴比利时安特卫普、法国巴黎等地学习，梵先森绘画世界里面最多的景象，仍然是浓郁的乡村敦朴风格。1885年11月，他在比利时安特卫普学习绘画，接触到了日本浮世绘，给寻求创新的他带来更多启迪。浮世绘常用的散点透视、空间切割法在梵高画作中均有体现。加上修拉艺术家的点彩画法，也影响着他。
笔者抱着粉丝心态去看了这部电影。实质上，本人的心态是更想了解梵高的作品，而非梵高的一生。但以电影制作来看无可厚非。
每个梵高的粉丝当那些熟悉的作品一个个活灵活现的展现在屏幕上的时候，内心一定是非常激动的。例如经典人物形象：邮差约瑟夫、加歇医生、弟弟提奥等经典人物。当一幅又一幅熟悉得不能再熟悉的画作出现的时候，有那么一瞬间的恍惚，梵高的作品活了！
这些作品的出现，的确惊喜不断。
电影传达出来的梵高形象是多面而立体的：
他是个疯子，和好友嘶声力竭地争吵、割下自己耳朵送给妓女；他是个哥哥，弟弟的长期经济资助是他内心最过不去的坎；他是个画家，和船夫在河边能呆上一整天只为找一个好的光线角度；他的内心很柔软，被小孩用石子砸选择逃走，会和志趣相投的人侃侃而谈。
或许，从这些多面的梵高让人更加了解梵高的画。或许那些抽象的、变形的笔触，才是最纯粹，最直达心灵的靡靡之音。
图片来源：新闻界面
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梵高的画普通人为什么欣赏不来？
达芬奇画了个蛋，很逼真，大家都说好；莫奈画了个蛋，有点魔幻，一半人叫好一半人蒙圈；梵高画了个蛋，100年后大家才知道它是土豆，一颗忧郁的土豆……
这就是佛罗伦萨画派、印象派、后印象派的简单区别。当然小编只是打个比方娱乐下。
理性艺术容易懂，它有默认的社会审美标准(比如形象)；感性艺术可以懂，大众有某些感性共鸣(比如音乐和色彩)；主观表现艺术则很晦涩，你很难随时了解画家的精神世界。梵高是19世纪最孤独的人，哪有那么容易懂？
梵高的作品太超前，梵高的世界太孤独。
梵高作品《夜晚露天咖啡座》，于1888年9月，法国小镇。开阔的小景，柔和的鹅卵石，橘黄的暖调，浅蓝的夜空，即便远景黑暗的弄巷，梵高也加上了窗户和灯光，还有悠然的顾客们(不是一两个)……此时的小景，让梵高觉得静好、温馨。
如今200多年过去了，此酒吧依然维持梵高画中原貌，以纪念和致敬大师。
梵高，理性宗教人文下的异类西方文化本质是宗教，宗教文化控制着西方社会的方方面面。西方早期艺术遵循现实宗教人文主义，以理性塑造为主导，以宗教题材为主旋律，作品严肃、理性、写实。比如，达芬奇做过军事工程师，更是如虎添翼。
达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔，文艺复兴最杰出的三位大师代表了写实艺术最高水平。
再好的艺术也要观众欣赏。写实艺术严谨形象，很容易理解；宗教人文则容易引起社会共鸣。因此，以达芬奇为代表的西方早期艺术，雅俗共赏，大众喜闻乐见，自然成为主流。
对比荷兰三大顶级画家，一看便知:
《吃土豆的人》淳朴憨厚的穷人。梵高先生心怀怜悯，土豆作品可成系列
①伦勃朗丨地位不输文艺复兴三杰，当时就是王者的存在。伦勃朗属现实主义画家，宗教题材是主旋律之一，也代表他最高艺术水平。
②梵高丨"小我表现主义"在当时根本不入流！梵高一生就卖出一幅画，还是走朋友的后门。梵高100年后才蜚声世界，即便放在今天的荷兰，梵高地位依然压不住伦勃朗。主流文化统治力有多强大，可见一斑。
③维米尔丨17世纪荷兰风俗画家，专注荷兰民俗小情景，尤擅女性肖像题材。维米尔是一位从宁静生活缓缓走来的诗人画家，画风静谧、淳朴、恬淡、温馨，满满的和煦与宁静的气息。维米尔更惨，200年后才蜚声世界。
现实主义画风，宗教题材旋律，所以伦勃朗混的风生水起。梵高画着自己无人能懂的世界；维米尔画着小镇的烟火。时人看来不过民间小手艺，大众无共鸣，所以他俩最后都穷死了。
印象派大师莫奈作品。明暗对比不再像早期那么尖锐，多了朦胧，大美视野前所未有
既生莫奈，何生梵高19世纪70年代，莫奈印象派横空出世，人文情感开始作为绘画重要元素，绘画艺术也被引向色彩世界。印象派打破西方原始的直觉感观，强烈色彩冲击让人兴奋，当然也有迷惘。
印象派把世人目光从幽暗肃静的教堂一隅，引向了色彩斑斓的大自然。色彩朦胧和冷暖处理，增强了绘画艺术效果和神秘气息，更刷新了西方人对绘画艺术的认知。绘画艺术走向更开放、更丰富、更包容的多元世界……
莫奈让西方人第一次见识到色彩可以如此美妙！大气、明快、绚烂……印象派打开了西方艺术眼界，很快被接受。莫奈成为印象派创始人。
人类某些感性有共鸣，比如对音乐和色彩的感受。印象派色彩的感染力能够抓住大众感官。然而，到了梵高"天下唯我"的境界，就没那么容易读懂了，他的色彩和线条人们都读不懂……
梵高作品《收获》☞ 远景开阔则豁然，天空浅绿则轻松，画面内容非常丰富，笔触细致，色彩繁多，一片温馨家园之貌。此时的梵高心中充满对生活的热情和希望。
莫奈代表印象派巅峰，无人超越。梵高早期也学习印象派，但一度迷茫，最终决定开创属于自己的艺术，就是后来的"后印象派"。毫无疑问，当时梵高再次避开新的主流艺术。
人生短暂而坎坷的梵高，步伐太超前，也足够勇敢。梵高和莫奈同处一个时代，却要在如日中天的印象派主流外另辟蹊径。梵高最后走向了疯狂，走向了覆灭，最终走向了巅峰。
梵高名作《麦田上空的乌鸦》☞ 天空的蓝色，比"露天咖啡馆"的夜空色调还沉重；小路没有画出尽头，青草失去了绿色；近景大路只画了几笔；满天乌鸦袭来，吞噬着寓意梵高热情的麦田；天空太低，占据一半布局。整幅画面镜头突兀，直逼视觉，没有空间感，很压抑。
这是梵高人生最后一幅画。
梵高，画布上的孤独人生莫奈把西方绘画带向色彩和感性，梵高则把色彩和感性推向极致，极致到只有他自己懂。
梵高把莫奈笔下的客观感性变成自己的主观感性，用自己的感性世界去创作外面的客观世界。西方艺术，最终成了梵高的一个人的世界，问题在于，梵高的世界没有人懂。这一步，梵高是迈的太大，还是收的太狠？
梵高是运用色彩的顶级大师，每一根或夸张或扭曲的线条都代表了自己情绪，所以就连梵高的色彩也不是大众能理解的……
当时大众会觉得梵高画的蛋有点奇怪。梵高: 我特么画的是土豆！一颗忧郁的土豆！
梵高作品《播种》☞ 光芒万丈的金色阳光，好像从天堂照出，近景播种者步伐夸张，胳膊摆动幅度很大，整个人物张力十足。播种什么呢？大概是希望吧。
远景，梵高没忘画上一个小房子，旁边还有几棵小树。是不是有点小可爱？
梵高据自己情绪选择不同色彩和线条，作品独树一帜。一块块画布都是梵高自己的精神世界，通过色彩和线条可看出他作画时的脉动。
天空丨天空越低、比例越大，代表越压抑；蓝色越重，代表越忧郁；天空高远，蓝中泛绿，代表平和愉悦。梵高麦田系列很多，情绪却不同。
人物丨大凡人物较多，色彩多黄色(热情)，说明梵高精神不错；只有一个人物，肢体动作张力十足，说明梵高情绪激烈。
线条丨笔触越粗略、夸张、扭曲、急转，梵高心境越不平静，细致柔和线条则代表安宁。
远近镜头丨空间开阔则情绪平和；画面如特写直逼眼球，说明梵高内心波澜起伏。
《麦田与收割者》☞ 详见后面备注
梵高选择什么色彩，不取决于客观事物本色，在乎自己内心真实感受，用最能表达主观情感的颜色来完成绘画。比如《麦田与收割者》:
近景热烈浓郁的麦田，却只画了一个收割者；天空泛绿；远处山坡紫色。你见过紫色的山头？你见过绿色的天空？梵高才会这么做。
天空和麦田寓意希望，但梵高多少还是有些孤独，所以远处画了一抹紫色，它代表一点忧郁，但没有蓝色那么沉重压抑。或许梵高此时心境平和，希望中也带着一丝忧虑。
此画作于1989年梵高疗养期间。梵高自觉精神好转，对生活重燃希望。很遗憾，次年梵高崩溃，永远埋在了被他赋予无限热情的麦田。
梵高的画布，就是他的一生。
温暖色调的黄房子，占据画面中心，多栋而不孤立；前面和右侧空间开阔，后面蓝色天空笔触细腻均匀；人物丰富，有大人和孩子，有行人，有嬉戏，有咖啡小坐；近景门窗使用了鲜亮的绿色，远处有炊烟袅袅……
整幅画面以热烈暖色为主，多么温馨静好。梵高画如此耐心，可见梵高情绪很好。
此时梵高正满怀欣喜等待好友高更到来。
小编结语梵高看似无章的色彩和线条，每一笔都有序、有因。当你了解梵高作画时的内心，你会发现，色彩和线条所有秩序，最完美地演绎了梵高先生的世界。天空绿色、浅蓝、深蓝……一点都不可以改变，换一个色彩，少一笔线条，拉近镜头，推个广角，都会是缺憾。
正因这些原因，梵高是天才，也难懂。
普通人不懂技法，体会不到诸多微妙所隐藏的细腻情感。欣赏梵高的画，最好懂点绘画艺术，还需要点感性和细腻，再加上一点人文恻悯，耐心琢磨，感受他内心世界。如此，梵高作品就没有传说那么难懂。
梵高这张自画像是很多网友的头像
梵高对生活无限热情和忠诚，梵高的世界简单、质朴而美好，就像他画笔下的黄色麦浪。
可是，他无法让第二个人明白自己有多热爱这个世界，希望和痛苦交互流转，反复碾压着他那颗坚强又脆弱、热情又绝望的内心，直到死去……母亲，不过是摧毁梵高的第一人，应该觉得儿子死的还是太晚了。
世界那么大，终究没容下一个简单的梵高……
梵高的画普通人为什么欣赏不来？
达芬奇画了个蛋，很逼真，大家都说好；莫奈画了个蛋，有点魔幻，一半人叫好一半人蒙圈；梵高画了个蛋，100年后大家才知道它是土豆，一颗忧郁的土豆……
这就是佛罗伦萨画派、印象派、后印象派的简单区别。当然小编只是打个比方娱乐下。
理性艺术容易懂，它有默认的社会审美标准(比如形象)；感性艺术可以懂，大众有某些感性共鸣(比如音乐和色彩)；主观表现艺术则很晦涩，你很难随时了解画家的精神世界。梵高是19世纪最孤独的人，哪有那么容易懂？
梵高的作品太超前，梵高的世界太孤独。
梵高作品《夜晚露天咖啡座》，于1888年9月，法国小镇。开阔的小景，柔和的鹅卵石，橘黄的暖调，浅蓝的夜空，即便远景黑暗的弄巷，梵高也加上了窗户和灯光，还有悠然的顾客们(不是一两个)……此时的小景，让梵高觉得静好、温馨。
如今200多年过去了，此酒吧依然维持梵高画中原貌，以纪念和致敬大师。
梵高，理性宗教人文下的异类西方文化本质是宗教，宗教文化控制着西方社会的方方面面。西方早期艺术遵循现实宗教人文主义，以理性塑造为主导，以宗教题材为主旋律，作品严肃、理性、写实。比如，达芬奇做过军事工程师，更是如虎添翼。
达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔，文艺复兴最杰出的三位大师代表了写实艺术最高水平。
再好的艺术也要观众欣赏。写实艺术严谨形象，很容易理解；宗教人文则容易引起社会共鸣。因此，以达芬奇为代表的西方早期艺术，雅俗共赏，大众喜闻乐见，自然成为主流。
对比荷兰三大顶级画家，一看便知:
《吃土豆的人》淳朴憨厚的穷人。梵高先生心怀怜悯，土豆作品可成系列
①伦勃朗丨地位不输文艺复兴三杰，当时就是王者的存在。伦勃朗属现实主义画家，宗教题材是主旋律之一，也代表他最高艺术水平。
②梵高丨"小我表现主义"在当时根本不入流！梵高一生就卖出一幅画，还是走朋友的后门。梵高100年后才蜚声世界，即便放在今天的荷兰，梵高地位依然压不住伦勃朗。主流文化统治力有多强大，可见一斑。
③维米尔丨17世纪荷兰风俗画家，专注荷兰民俗小情景，尤擅女性肖像题材。维米尔是一位从宁静生活缓缓走来的诗人画家，画风静谧、淳朴、恬淡、温馨，满满的和煦与宁静的气息。维米尔更惨，200年后才蜚声世界。
现实主义画风，宗教题材旋律，所以伦勃朗混的风生水起。梵高画着自己无人能懂的世界；维米尔画着小镇的烟火。时人看来不过民间小手艺，大众无共鸣，所以他俩最后都穷死了。
印象派大师莫奈作品。明暗对比不再像早期那么尖锐，多了朦胧，大美视野前所未有
既生莫奈，何生梵高19世纪70年代，莫奈印象派横空出世，人文情感开始作为绘画重要元素，绘画艺术也被引向色彩世界。印象派打破西方原始的直觉感观，强烈色彩冲击让人兴奋，当然也有迷惘。
印象派把世人目光从幽暗肃静的教堂一隅，引向了色彩斑斓的大自然。色彩朦胧和冷暖处理，增强了绘画艺术效果和神秘气息，更刷新了西方人对绘画艺术的认知。绘画艺术走向更开放、更丰富、更包容的多元世界……
莫奈让西方人第一次见识到色彩可以如此美妙！大气、明快、绚烂……印象派打开了西方艺术眼界，很快被接受。莫奈成为印象派创始人。
人类某些感性有共鸣，比如对音乐和色彩的感受。印象派色彩的感染力能够抓住大众感官。然而，到了梵高"天下唯我"的境界，就没那么容易读懂了，他的色彩和线条人们都读不懂……
梵高作品《收获》☞ 远景开阔则豁然，天空浅绿则轻松，画面内容非常丰富，笔触细致，色彩繁多，一片温馨家园之貌。此时的梵高心中充满对生活的热情和希望。
莫奈代表印象派巅峰，无人超越。梵高早期也学习印象派，但一度迷茫，最终决定开创属于自己的艺术，就是后来的"后印象派"。毫无疑问，当时梵高再次避开新的主流艺术。
人生短暂而坎坷的梵高，步伐太超前，也足够勇敢。梵高和莫奈同处一个时代，却要在如日中天的印象派主流外另辟蹊径。梵高最后走向了疯狂，走向了覆灭，最终走向了巅峰。
梵高名作《麦田上空的乌鸦》☞ 天空的蓝色，比"露天咖啡馆"的夜空色调还沉重；小路没有画出尽头，青草失去了绿色；近景大路只画了几笔；满天乌鸦袭来，吞噬着寓意梵高热情的麦田；天空太低，占据一半布局。整幅画面镜头突兀，直逼视觉，没有空间感，很压抑。
这是梵高人生最后一幅画。
梵高，画布上的孤独人生莫奈把西方绘画带向色彩和感性，梵高则把色彩和感性推向极致，极致到只有他自己懂。
梵高把莫奈笔下的客观感性变成自己的主观感性，用自己的感性世界去创作外面的客观世界。西方艺术，最终成了梵高的一个人的世界，问题在于，梵高的世界没有人懂。这一步，梵高是迈的太大，还是收的太狠？
梵高是运用色彩的顶级大师，每一根或夸张或扭曲的线条都代表了自己情绪，所以就连梵高的色彩也不是大众能理解的……
当时大众会觉得梵高画的蛋有点奇怪。梵高: 我特么画的是土豆！一颗忧郁的土豆！
梵高作品《播种》☞ 光芒万丈的金色阳光，好像从天堂照出，近景播种者步伐夸张，胳膊摆动幅度很大，整个人物张力十足。播种什么呢？大概是希望吧。
远景，梵高没忘画上一个小房子，旁边还有几棵小树。是不是有点小可爱？
梵高据自己情绪选择不同色彩和线条，作品独树一帜。一块块画布都是梵高自己的精神世界，通过色彩和线条可看出他作画时的脉动。
天空丨天空越低、比例越大，代表越压抑；蓝色越重，代表越忧郁；天空高远，蓝中泛绿，代表平和愉悦。梵高麦田系列很多，情绪却不同。
人物丨大凡人物较多，色彩多黄色(热情)，说明梵高精神不错；只有一个人物，肢体动作张力十足，说明梵高情绪激烈。
线条丨笔触越粗略、夸张、扭曲、急转，梵高心境越不平静，细致柔和线条则代表安宁。
远近镜头丨空间开阔则情绪平和；画面如特写直逼眼球，说明梵高内心波澜起伏。
《麦田与收割者》☞ 详见后面备注
梵高选择什么色彩，不取决于客观事物本色，在乎自己内心真实感受，用最能表达主观情感的颜色来完成绘画。比如《麦田与收割者》:
近景热烈浓郁的麦田，却只画了一个收割者；天空泛绿；远处山坡紫色。你见过紫色的山头？你见过绿色的天空？梵高才会这么做。
天空和麦田寓意希望，但梵高多少还是有些孤独，所以远处画了一抹紫色，它代表一点忧郁，但没有蓝色那么沉重压抑。或许梵高此时心境平和，希望中也带着一丝忧虑。
此画作于1989年梵高疗养期间。梵高自觉精神好转，对生活重燃希望。很遗憾，次年梵高崩溃，永远埋在了被他赋予无限热情的麦田。
梵高的画布，就是他的一生。
温暖色调的黄房子，占据画面中心，多栋而不孤立；前面和右侧空间开阔，后面蓝色天空笔触细腻均匀；人物丰富，有大人和孩子，有行人，有嬉戏，有咖啡小坐；近景门窗使用了鲜亮的绿色，远处有炊烟袅袅……
整幅画面以热烈暖色为主，多么温馨静好。梵高画如此耐心，可见梵高情绪很好。
此时梵高正满怀欣喜等待好友高更到来。
小编结语梵高看似无章的色彩和线条，每一笔都有序、有因。当你了解梵高作画时的内心，你会发现，色彩和线条所有秩序，最完美地演绎了梵高先生的世界。天空绿色、浅蓝、深蓝……一点都不可以改变，换一个色彩，少一笔线条，拉近镜头，推个广角，都会是缺憾。
正因这些原因，梵高是天才，也难懂。
普通人不懂技法，体会不到诸多微妙所隐藏的细腻情感。欣赏梵高的画，最好懂点绘画艺术，还需要点感性和细腻，再加上一点人文恻悯，耐心琢磨，感受他内心世界。如此，梵高作品就没有传说那么难懂。
梵高这张自画像是很多网友的头像
梵高对生活无限热情和忠诚，梵高的世界简单、质朴而美好，就像他画笔下的黄色麦浪。
可是，他无法让第二个人明白自己有多热爱这个世界，希望和痛苦交互流转，反复碾压着他那颗坚强又脆弱、热情又绝望的内心，直到死去……母亲，不过是摧毁梵高的第一人，应该觉得儿子死的还是太晚了。
世界那么大，终究没容下一个简单的梵高……
梵高的画普通人为什么欣赏不来？
达芬奇画了个蛋，很逼真，大家都说好；莫奈画了个蛋，有点魔幻，一半人叫好一半人蒙圈；梵高画了个蛋，100年后大家才知道它是土豆，一颗忧郁的土豆……
这就是佛罗伦萨画派、印象派、后印象派的简单区别。当然小编只是打个比方娱乐下。
理性艺术容易懂，它有默认的社会审美标准(比如形象)；感性艺术可以懂，大众有某些感性共鸣(比如音乐和色彩)；主观表现艺术则很晦涩，你很难随时了解画家的精神世界。梵高是19世纪最孤独的人，哪有那么容易懂？
梵高的作品太超前，梵高的世界太孤独。
梵高作品《夜晚露天咖啡座》，于1888年9月，法国小镇。开阔的小景，柔和的鹅卵石，橘黄的暖调，浅蓝的夜空，即便远景黑暗的弄巷，梵高也加上了窗户和灯光，还有悠然的顾客们(不是一两个)……此时的小景，让梵高觉得静好、温馨。
如今200多年过去了，此酒吧依然维持梵高画中原貌，以纪念和致敬大师。
梵高，理性宗教人文下的异类西方文化本质是宗教，宗教文化控制着西方社会的方方面面。西方早期艺术遵循现实宗教人文主义，以理性塑造为主导，以宗教题材为主旋律，作品严肃、理性、写实。比如，达芬奇做过军事工程师，更是如虎添翼。
达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔，文艺复兴最杰出的三位大师代表了写实艺术最高水平。
再好的艺术也要观众欣赏。写实艺术严谨形象，很容易理解；宗教人文则容易引起社会共鸣。因此，以达芬奇为代表的西方早期艺术，雅俗共赏，大众喜闻乐见，自然成为主流。
对比荷兰三大顶级画家，一看便知:
《吃土豆的人》淳朴憨厚的穷人。梵高先生心怀怜悯，土豆作品可成系列
①伦勃朗丨地位不输文艺复兴三杰，当时就是王者的存在。伦勃朗属现实主义画家，宗教题材是主旋律之一，也代表他最高艺术水平。
②梵高丨"小我表现主义"在当时根本不入流！梵高一生就卖出一幅画，还是走朋友的后门。梵高100年后才蜚声世界，即便放在今天的荷兰，梵高地位依然压不住伦勃朗。主流文化统治力有多强大，可见一斑。
③维米尔丨17世纪荷兰风俗画家，专注荷兰民俗小情景，尤擅女性肖像题材。维米尔是一位从宁静生活缓缓走来的诗人画家，画风静谧、淳朴、恬淡、温馨，满满的和煦与宁静的气息。维米尔更惨，200年后才蜚声世界。
现实主义画风，宗教题材旋律，所以伦勃朗混的风生水起。梵高画着自己无人能懂的世界；维米尔画着小镇的烟火。时人看来不过民间小手艺，大众无共鸣，所以他俩最后都穷死了。
印象派大师莫奈作品。明暗对比不再像早期那么尖锐，多了朦胧，大美视野前所未有
既生莫奈，何生梵高19世纪70年代，莫奈印象派横空出世，人文情感开始作为绘画重要元素，绘画艺术也被引向色彩世界。印象派打破西方原始的直觉感观，强烈色彩冲击让人兴奋，当然也有迷惘。
印象派把世人目光从幽暗肃静的教堂一隅，引向了色彩斑斓的大自然。色彩朦胧和冷暖处理，增强了绘画艺术效果和神秘气息，更刷新了西方人对绘画艺术的认知。绘画艺术走向更开放、更丰富、更包容的多元世界……
莫奈让西方人第一次见识到色彩可以如此美妙！大气、明快、绚烂……印象派打开了西方艺术眼界，很快被接受。莫奈成为印象派创始人。
人类某些感性有共鸣，比如对音乐和色彩的感受。印象派色彩的感染力能够抓住大众感官。然而，到了梵高"天下唯我"的境界，就没那么容易读懂了，他的色彩和线条人们都读不懂……
梵高作品《收获》☞ 远景开阔则豁然，天空浅绿则轻松，画面内容非常丰富，笔触细致，色彩繁多，一片温馨家园之貌。此时的梵高心中充满对生活的热情和希望。
莫奈代表印象派巅峰，无人超越。梵高早期也学习印象派，但一度迷茫，最终决定开创属于自己的艺术，就是后来的"后印象派"。毫无疑问，当时梵高再次避开新的主流艺术。
人生短暂而坎坷的梵高，步伐太超前，也足够勇敢。梵高和莫奈同处一个时代，却要在如日中天的印象派主流外另辟蹊径。梵高最后走向了疯狂，走向了覆灭，最终走向了巅峰。
梵高名作《麦田上空的乌鸦》☞ 天空的蓝色，比"露天咖啡馆"的夜空色调还沉重；小路没有画出尽头，青草失去了绿色；近景大路只画了几笔；满天乌鸦袭来，吞噬着寓意梵高热情的麦田；天空太低，占据一半布局。整幅画面镜头突兀，直逼视觉，没有空间感，很压抑。
这是梵高人生最后一幅画。
梵高，画布上的孤独人生莫奈把西方绘画带向色彩和感性，梵高则把色彩和感性推向极致，极致到只有他自己懂。
梵高把莫奈笔下的客观感性变成自己的主观感性，用自己的感性世界去创作外面的客观世界。西方艺术，最终成了梵高的一个人的世界，问题在于，梵高的世界没有人懂。这一步，梵高是迈的太大，还是收的太狠？
梵高是运用色彩的顶级大师，每一根或夸张或扭曲的线条都代表了自己情绪，所以就连梵高的色彩也不是大众能理解的……
当时大众会觉得梵高画的蛋有点奇怪。梵高: 我特么画的是土豆！一颗忧郁的土豆！
梵高作品《播种》☞ 光芒万丈的金色阳光，好像从天堂照出，近景播种者步伐夸张，胳膊摆动幅度很大，整个人物张力十足。播种什么呢？大概是希望吧。
远景，梵高没忘画上一个小房子，旁边还有几棵小树。是不是有点小可爱？
梵高据自己情绪选择不同色彩和线条，作品独树一帜。一块块画布都是梵高自己的精神世界，通过色彩和线条可看出他作画时的脉动。
天空丨天空越低、比例越大，代表越压抑；蓝色越重，代表越忧郁；天空高远，蓝中泛绿，代表平和愉悦。梵高麦田系列很多，情绪却不同。
人物丨大凡人物较多，色彩多黄色(热情)，说明梵高精神不错；只有一个人物，肢体动作张力十足，说明梵高情绪激烈。
线条丨笔触越粗略、夸张、扭曲、急转，梵高心境越不平静，细致柔和线条则代表安宁。
远近镜头丨空间开阔则情绪平和；画面如特写直逼眼球，说明梵高内心波澜起伏。
《麦田与收割者》☞ 详见后面备注
梵高选择什么色彩，不取决于客观事物本色，在乎自己内心真实感受，用最能表达主观情感的颜色来完成绘画。比如《麦田与收割者》:
近景热烈浓郁的麦田，却只画了一个收割者；天空泛绿；远处山坡紫色。你见过紫色的山头？你见过绿色的天空？梵高才会这么做。
天空和麦田寓意希望，但梵高多少还是有些孤独，所以远处画了一抹紫色，它代表一点忧郁，但没有蓝色那么沉重压抑。或许梵高此时心境平和，希望中也带着一丝忧虑。
此画作于1989年梵高疗养期间。梵高自觉精神好转，对生活重燃希望。很遗憾，次年梵高崩溃，永远埋在了被他赋予无限热情的麦田。
梵高的画布，就是他的一生。
温暖色调的黄房子，占据画面中心，多栋而不孤立；前面和右侧空间开阔，后面蓝色天空笔触细腻均匀；人物丰富，有大人和孩子，有行人，有嬉戏，有咖啡小坐；近景门窗使用了鲜亮的绿色，远处有炊烟袅袅……
整幅画面以热烈暖色为主，多么温馨静好。梵高画如此耐心，可见梵高情绪很好。
此时梵高正满怀欣喜等待好友高更到来。
小编结语梵高看似无章的色彩和线条，每一笔都有序、有因。当你了解梵高作画时的内心，你会发现，色彩和线条所有秩序，最完美地演绎了梵高先生的世界。天空绿色、浅蓝、深蓝……一点都不可以改变，换一个色彩，少一笔线条，拉近镜头，推个广角，都会是缺憾。
正因这些原因，梵高是天才，也难懂。
普通人不懂技法，体会不到诸多微妙所隐藏的细腻情感。欣赏梵高的画，最好懂点绘画艺术，还需要点感性和细腻，再加上一点人文恻悯，耐心琢磨，感受他内心世界。如此，梵高作品就没有传说那么难懂。
梵高这张自画像是很多网友的头像
梵高对生活无限热情和忠诚，梵高的世界简单、质朴而美好，就像他画笔下的黄色麦浪。
可是，他无法让第二个人明白自己有多热爱这个世界，希望和痛苦交互流转，反复碾压着他那颗坚强又脆弱、热情又绝望的内心，直到死去……母亲，不过是摧毁梵高的第一人，应该觉得儿子死的还是太晚了。
世界那么大，终究没容下一个简单的梵高……
至爱梵高佳句
1. 至爱梵高评价怎么样好看吗走进孤独的灵魂 看那斑斓的世界
文/梦里诗书
《至爱梵高·星空之谜》以梵高死后他的死因为引，多人物视角的追溯，其所聚焦的并非是何般真相谜底，而是将梵高的灵魂跃然光影，于此中那数万张梵高风格油画所凝聚而成的动画，更是使电影的每一帧俨然都无可挑剔，由此所形成的视觉冲击——美妙绝伦。
梵高这一题材，其实已然不止一次的被搬上荧幕，从最早的记录短片到“卷福”的电视电影，多种多样的影视作品都在致力于去还原这位开山立派，却在当时不被世人所欣赏的悲情人生，以表达对这位大师的敬意和英年早逝的遗憾，而这次的《至爱梵高》，除了有以“油画动画”这种尤为特立独行的展现手法外，电影剧情也并不再是循规蹈矩的只是去再现他的一生。
在剧情上，《至爱梵高》以一封没有抵达收信人之手的梵高书信为脉络，主线故事明以主人公对梵高死因真相的探寻为展开，但实际上透过一个又一个曾经接触过梵高的旁人的追溯，一个曲高和寡，难以被世人认同，格外孤独的梵高形象随着剧情的发酵被徐徐道来，虽然这种多视角访谈式的手法不免使电影在一定程度上稍显琐碎，但也正是在这种呈现中，电影使一个众所周知的真实事件改编，变的更具可看性了起来。
整部电影虽然时长仅为95分钟，但却是125位画家，耗时7年由65000张油画组合而成的，电影在画风上高度贴合于了梵高的个人风格，所致力的则正是将梵高的昔日画卷，在光影之中灵动起来，这种大胆的创新，使电影给人带来的感触是前所未有的，就个人作为一位尤为喜欢梵高画作的拥趸来说，其所带来的是宛若身临其境于了梵高斑斓的艺术世界，不经间便会回想到梵高那一幅幅生气勃然的画作。
电影最后以《罗纳河上的星夜》为结尾，将梵高喻为了美丽的星夜，《至爱梵高》是哀而不伤的，它带领观众走进了一颗孤独的灵魂，看到的是梵高笔下那斑斓的世界。
2. 关于梵高传的好词好句,急···梵高传中喜欢的句子
她们贫苦，或许还不幸，但是痛苦使她们获得了灵魂。
上帝是不存在的，事情就是那么简单——没有什么上帝，唯有一片浑噩——悲惨、苦难、残酷、煎熬、黑暗和无尽头的浑噩。
我们内在的思想常常外露出来吗？也许在我们的灵魂中有一团热火，但没有人用它使自己暖和起来。过路人仅仅看到烟囱里冒出一点烟，照旧走自己的路。你瞧，该怎么办呢？一个人不能守护着这团内在的火，心怀这个刺激物，耐心地等待某个人走来坐在它旁边的时刻到来吗？
我将尽力而为，但我一点不轻视平凡，就其纯粹的意义来说，轻视平凡的东西，就一定无法超越这个起点。
你永远不会认识爱情，因为它不能生存，即使你的肌肤能够忍住火烧的痛苦之严酷考验，它也不能生存！”
一阵无声的悲伤巨涛涌上他的喉咙。他举起左手捂住嘴，压住阿姆斯特丹和整个世界也许永远不会知道他已经受到判决和被认为一钱不值的喊声。他的嘴唇尝到了事与愿违的惨苦的、惨苦的幻灭。
不论画人物还是风景，他希望表现的不是感伤，而是严肃的悲痛。
“普通人的头脑是依二元性来思考的：光和影、甜和酸、善和恶。那种二元性在大自然中是不存在的。世界上既没有善，7a64e59b9ee7ad9431333332633037也没有恶，只有存在和实践。当我们描绘一个行动的时候，我们就是在描绘生活；当我们给那个行动命名——如邪恶或建狠——的时候，我们就进入了主观偏见的领域。
首先，我们认为一切的真实都是美好的，不论它的面貌会显得多么可怕。大自然的一切，我们全盘接受，一点不漏。我们相信，在粗糙的真实中，比在巧妙的谎话中，有更多的美；在下层社会中，比在全巴黎的沙龙中，有更多的诗意。我们认为痛苦是好的，因为它在人的全部感情中，是最深刻的。我们认为性是美的，甚至即使是由妓女和龟鸨所表演的。我们把个性放在丑恶之上，把痛苦放在可爱之上，把穷困的现实放在法兰西的全部财富之上。我们全盘接受生活，不作道德上的裁判。
“我的画家的手指长得驯服了，”他想，“即使我的躯壳渐渐碎裂。”
“你并不丑，文森特。你是美的。你自己在糟蹋和折磨了包裹着你灵魂的可怜躯体，但是你无法伤害你的灵魂。我爱的正是你的灵魂。当你用热忱的劳动摧残你自己的时候，灵魂将继续生存……没有尽头，我就为这爱你。”
梵高是一个伟大的艺术家，但却不是一个真正意义上的人。冥冥之中他的生命是为了创造那些画而存在的。就像巴顿将军说的，战士最好的归宿就是被战争胜利的最后一颗子弹打死。他对艺术的执着和激情是好的。但是他的生活是不敢赞同的。假如没有供养他的弟弟，或者他的画最后并没有成功，那么他就是一个极其失败的人。他所缺的正是对生活对周围人的责任感。或许正是因为我们太多的束缚所以我们才不能成为艺术家。这本书可以指导我们对艺术的态度，但不能指导我们生活。不是每个人都能像艺术家那样生活。我们只是平凡的人，我们只能妥协。
3. 怎么评价电影《至爱梵高·星空之谜》动画电影《至爱梵高》是对梵高一生、尤其是他那充满争议的死亡的一次探索，通过重构可能导致他死亡的那些事件，谜底慢慢揭晓。不过，这部电影最引人注目的还是它的艺术表现形式。影片导演Dorota Kobiela出于对梵高的热爱，力邀曾获奥斯卡奖的Breakthru Films团队，以一个惊人的计划为梵高献上热切也纯粹的“告白”———让梵高笔下在阿尔勒的卧室、罗纳河上的星夜、麦田里的乌鸦统统动起来，让影片中的每一个镜头都像梵高亲自画下的。
整个电影时长仅95分钟，制作周期却长达7年，制作团队在全世界找了15个国家的125位画家，深入调查了梵高生前的800封书信，一共画了65000张油画，然后以12幅/秒的速度叠加成这部油画电影作品。因为故事本身就是围绕着调查‘梵高之死’真相展开，情节也主要靠人物的访谈言论推动。所以熟悉、热爱梵高作品的人会更好地被感动。
4. 至爱梵高里收集了梵高的信的那本书叫什么亲爱的提奥 梵高信件选集
本书收录了1872至1890年间，梵高写给弟弟提奥的600多封信件，按照时间顺序编号排列，同时依据梵高居住地的变化分列出章节，更加准确明晰地展现梵高的人生历程。
在梵高给弟弟提奥的信中，最常提到的主题是钱、画画。他只能用提奥寄给他的钱维持最基本的生活，梵高在现实生活面前是无力的，现实的环境使得他对自己异于常人的人生选择的思索越加深重。
然而，如果说每个人的生活都是一条通向自身的道路，那梵高是这条路上的勇者。无论现实生活如何不堪和落魄，他没停止过对绘画艺术的学习和创作，也可以说，正是对绘画的不断追求让他免于艰辛生活所蒙上的忧郁和沉闷。
当他在信中谈论起绘画，言语中总是热情洋溢的。他很擅长用文字来表现色彩，信件中饱含有关自然、绘画与艺术颇具价值的观点。
每当信件中谈论到他生活中的人，以及这些人同他的关系时，他完全判若两人，变得充满攻击性，变得不可理喻。
5. 电影《至爱梵高·星空之谜》主要讲了什么《至爱梵高》是多洛塔·科别拉、休·韦尔什曼执导的传记类动画影片，由西尔莎·罗南、艾丹·特纳、海伦·麦克洛瑞、克里斯·奥多德、埃莉诺·汤姆林等担任配音，于2017年6月12日在安纳西国际动画电影zd节首映并获得观众票选奖 。
该片于2017年12月8日在中国上映。 2015年是梵高的125年诞辰，为了纪念梵高，英国著名的电影工作室BreakThru Films（曾获得奥斯卡奖）和Trademark Films从2012年开始筹拍一部名叫《Loving Vincent》的动画电影，通过动画师手绘的120幅梵高画作，试图探索梵高的精神世界与死亡之谜。
7天前，孙燕姿发布了从艺以来的第版13张个人专辑。 专辑同名主打歌《跳舞的梵谷》，是孙燕姿为她的偶像、后印象派著名画家梵高致敬的作品，用孙燕姿的话说就是：“世界上一定有很多跟我一样权的人，一样被赋予一些疯狂的人。”
正是这个疯狂的人，把自己的耳朵割掉后，吞枪自杀了。 有人说他是为了求爱割掉耳朵，有人说他是被人袭击才中弹身亡；有人说是高更在争吵后割了他的耳朵，有人说他是把枪当成了画笔才开枪走火……。
6. 《至爱梵高》是一部怎样的影片世界首部全手绘油画电影《至爱梵高》自从于12月8日登陆内地影院后，备受影迷的追捧和喜爱。
上映后，电影连续稳坐同期上映电影的上座率第一位，也持续获得各界名人和观众的高度评价。 “治愈抄满分”、“唯美而梦幻”、“绝无仅有的视觉盛宴”、“理解现代艺术的钥匙”、“眼睛做了一次超级SPA”、“如置身十里画廊”等等观众真实的评价通过微博、朋友圈、影评等各种方式表达出来。
各个专业评分网站如豆瓣8.7分、淘票票9.1分、猫眼9.2分、新浪电影9.1分，知都给出了高分推荐。 影片推出的官方高端周边衍生品，也成为影迷瞩目的焦点，这也足见中国影迷对于《至爱梵高》这部电影的喜爱。
此次入围金球奖道也是让《至爱梵高》成为大热话题，为中国的“梵高热”和电影票房再添热度。
7. 星空之下的灵魂有多纤细（至爱梵高·星空之谜）影评走进孤独的灵魂 看那斑斓的世界文/梦里诗书 《至爱梵高·星空之谜》以梵高死后他的死因为引，多人物视角的追溯，其所聚焦的并非是何般真相谜底，而是将梵高的灵魂跃然光影，于此中那数万张梵高风格油画所凝聚而成的动画，更是使电影的每一帧俨然都无可挑剔，由此所形成的视觉冲击——美妙绝伦。
梵高这一题材，其实已然不止一次的被搬上荧幕，从最早的记录短片到“卷福”的电视电影，多种多样的影视作品都在致力于去还原这位开山立派，却在当时不被世人所欣赏的悲情人生，以表达对这位大师的敬意和英年早逝的遗憾，而这次的《至爱梵高》，除了有以“油画动画”这种尤为特立独行的展现手法外，电影剧情也并不再是循规蹈矩的只是去再现他的一生。在剧情上，《至爱梵高》以一封没有抵达收信人之手的梵高书信为脉络，主线故事明以主人公对梵高死因真相的探寻为展开，但实际上透过一个又一个曾经接触过梵高的旁人的追溯，一个曲高和寡，难以被世人认同，格外孤独的梵高形象随着剧情的发酵被徐徐道来，虽然这种多视角访谈式的手法不免使电影在一定程度上稍显琐碎，但也正是在这种呈现中，电影使一个众所周知的真实事件改编，变的更具可看性了起来。
整部电影虽然时长仅为95分钟，但却是125位画家，耗时7年由65000张油画组合而成的，电影在画风上高度贴合于了梵高的个人风格，所致力的则正是将梵高的昔日画卷，在光影之中灵动起来，这种大胆的创新，使电影给人带来的感触是前所未有的，就个人作为一位尤为喜欢梵高画作的拥趸来说，其所带来的是宛若身临其境于了梵高斑斓的艺术世界，不经间便会回想到梵高那一幅幅生气勃然的画作。电影最后以《罗纳河上的星夜》为结尾，将梵高喻为了美丽的星夜，《至爱梵高》是哀而不伤的，它带领观众走进了一颗孤独的灵魂，看到的是梵高笔下那斑斓的世界。
8. 如何评价电影《挚爱梵高,星空之谜》的剧情虽然该片对梵高死亡之谜仍未定论，但人们在理解痛苦、理解艺术和理想的过程中，理解了梵高。在穿越卑微落寞疾苦的终点，星光的深处，这颗痛极如炙，诚极如赤的灵魂，撼动世间心灵 。
对于梵高，他的画作和传奇经历是后世进入他内心世界的路径，该片试图打开它，形式上的功夫有目共睹，内容和叙事上即使有诸多不足和遗憾，但这种方式已经是打开梵高心门的一把好钥匙。
当看到油彩在大银幕上流淌，当看到那些梵高作品里熟悉的事物逐次出现，观众无法不感动于导演和所有画师对梵高的至爱，也无法不感动于他们对于艺术创新的勇气和探索的执着。不过，首先因为过于饱和明亮的色彩，以及旋转升腾的图案、每秒12帧（正常电影画面是每秒24帧）的抽格动画的处理，让整部影片相较于大多数动画片，更易产生审美疲劳，至少是视力上的压力。其次，由于选择手绘油画的呈现方式，不得不牺牲了大部分远景（甚至中景），特写的部分又无法准确捕捉到真人演员的细微表演。于是，油画与电影之间的差异尽显，这也让该片被一些观众认为“形式大于内容”。 再有，如果不是对梵高生平非常了解，或许会看得云里雾里，故事的叙述以剧情片的标准来要求，并不算上乘之作。归根结底，这也只是一部由“至爱梵高”的人所制作完成的动画电影。献给梵高和爱梵高的人都没有问题，但作为电影本身，仅有技术上的创新，显然还不够完美 。
大家心目中好莱坞十大男星都有哪些？
莱昂纳多·迪卡普里奥，1974年11月11日出生于美国加利福尼亚州洛杉矶，美国影视演员、制作人。1990年，16岁的他参加了电视剧《成长的烦恼》的拍摄。1993年，他凭借《不一样的天空》中的表演获得了第66届奥斯卡金像奖最佳男配角奖和第51届美国电影电视金球奖最佳男配角的提名。1995年，拍摄电影《罗密欧与朱丽叶》，荣膺第47届柏林国际电影节最佳男主角。1997年，莱昂纳多主演了《泰坦尼克号》。
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