台词1:3重点在眼睛注意越轴对白剪辑的7个实用技巧

转自 | 星驰影视后期

订阅 | 010-86092062

对白是指影片中由人物说出来的语言。一部影片中存在大量的对白，对白是电影艺术主要的表现手段之一。所以除动作剪辑外，学会剪辑对白（对话）也是剪辑师必备的基本功之一。

动作剪辑的技巧

如何剪辑好对白呢？本文继续分享一些剪辑师通过多年的实战经验总结的心得和技巧。

1

一个原则

保证流畅度

国外剪辑大师OllieKenchington曾说：“对话的简单剪辑法则就是把每个人的谈话呈现为一个可观看的画面，而不是让人感到别扭的断续场面。”

所以剪辑对话的首要原则就是保证对话内容呈现在画面上的流畅度。

比如在剪辑双人对话时，要注意轴线问题，尽量避免“越轴”的发生。（为表现某一剧情或者情绪，故意的“越轴”除外。）

2

两种方法

平行剪辑和交错剪辑

1

对白的平行剪辑

指上一个镜头对白（声音）和画面同时同位切出，或下一个镜头对白和画面同时同位切入。

“平剪”是剪辑对白最常见的方式。对白的声音和画面同时转换，会显得平稳、严肃而庄重，一般应用于人物空间距离较大、人物对话交流语气比较平稳、情绪节奏比较缓慢的对白剪辑中。

2

对白的交错剪辑

指上一镜头对白和画面不同时同位切出，或下一镜头对白和画面不同时同位切入。

“串剪”会造成声画对列，有助于镜头衔接和转换上的流畅，它的作用在于突出人物因对话内容而产生的表情和动作的变化，有助于人物情绪上的连贯，使人物对话显得生动、活泼、明快、流畅。一般应用于人物空间距离较小、人物对话情绪交流紧密、语言节奏较快的对白剪辑中。

并不是台词的长短决定镜头的剪切，而是要一边考虑情节一边进行有目的的剪切，这一点是至关重要的。

3

七个技巧

实用技巧

1

排除演员表演中的“空气”

剪辑的职责是通过适当剪辑使表演恢复正常。大多数演员都会有表演夸张、超过合适的程度的情况出现。比如演员会强调停顿、比脚本要求的增加更多的错误、表现的更为口吃等等。剪辑师需要剪掉冗长的动作和对白使电影真实而不做作。

剪掉对话中重复的部分可以增强画面的紧张感。

2

台词以1:3连接

台词与台词之间，除去se和bgm等之外，余下的就是无声状态了。对于影像剪辑来说，重要的是如何制造出这种无声状态，并利用它来表现影片的节奏。

范例中是两个人在车上对话的场景，剪辑的关键在于两人的对话之间应该有怎样的间隔。一个一个的对话镜头都是用摄像机代替另一个人物拍摄而成的，因此两个人并没有进行真正的对话（间隔）。剪辑时，如何制作出自然的对话间的间隔非常重要。

一般来说，对话与对话之间的间隔按照1：3的比例进行连接会比较连贯。如果前组镜头中台词结束后所空的间隔为1个长度，那么在后续镜头中的对话开始前就要空出3个长度的间隔。

3

使用嵌入的蒙太奇手法表现心情

要想让对话场景更戏剧化，可以使用在台词之间插入其他镜头的方法。这打破了视觉的单调，能给观众传达更多的动态人物关系。比如，另一个人物的反应镜头可能展示了来自敌人的嘲笑、或朋友的热情微笑，或傲慢者的漠不关心等。

4

重点剪辑演员的眼睛

独立电影剪辑师Oliver Peters自从1970年开始从事于音频，视频以及电影业。她曾多次获得国内外的各种奖项，她说：“演员在电视上、电影中和舞台上都凭脸蛋吸引注意，但最重要的是演员的眼睛。当剪辑激烈的对话场景时，我都注意演员的眼睛。他们是否传达出适当的情绪？”

不过在组接镜头时，要注意每个语言镜头的尾部，尽量避免在演员眨眼睛时切刀。

5

景别的组接

中景

中景能为演员提供较大的活动空间，不仅能使观众看清人物表情，而且有利于显示人物的形体动作。在表达重要的对话内容之前，作为铺垫的语言段落，一般用中景。

近景

近景常被用来细致地表现人物的面部神态和情绪，当两人对话时，产生出的最重要信息或反应时，大多数都会用近景。

全景

当人物对话时，话题过度时的转折点（前后两段对话内容没有关联性）一般会用全景。

要注意的是景别切换时尽量避免全－近－全。

6

不要一直用同一个角度进行剪辑

如果导演拍摄了许多不同角度的镜头，不要一直机械的切回到同样角度，或者重复剪辑不久前使用的同一系列镜位。当然，在一个对话场景中只有两个角度，难以避免重复剪辑，但是如果导演根据不同需要不同镜头框架进行拍摄，那不妨通过剪辑体现导演的意图。不要被剪辑规则束缚，比如主镜头/单镜头/反转，主镜头/单镜头/反转等等，可以尝试混搭一下。

7

不同会话场景的剪切

三人会话场景用两个双人镜头表现时，会造成构图跳切，人物B从画面右侧调至左侧，应使用如其他任何可使用的镜头，如单人中特写，插入到两个双人镜头之间。

电话会话场景时，应多剪辑进去人物头部的镜头。

剪辑两个人异地电话交谈时，应使他们看似正在同一影片空间私下交谈。同时镜头构图应合理，并保留视线空间。

打电话

END

【推荐阅读】

遇到这样的行为不要慌，他们可能只是在拍“快闪”

多机位拍摄 电影画质，看了这部综艺突然想恋爱了

“杀”入戛纳的《野梨树》，难拍到超乎想象

实测5G网速！头脑风暴5G到底有什么用？

选手质疑导师？这样的“搞事”现场该怎么剪辑？

剪辑对白时要注意的剪辑点有哪些?

一：保证流畅度

简单来说就是，我们剪辑完成的对话 前后要有逻辑，相互呼应!使观众能简单易懂，不能说是剪辑完以后牛头不对马嘴，上句不接下句的!那样就本末倒置了，失去了我们剪辑的意义。

二、镜头的切换点

很多初学者在处理对话场景时，会简单的通过谁说话，就用谁的镜头这种方式来进行这种 一问一答的剪辑，其实这是非常基础的剪辑方式。

人物在讲话的过程中，另一方一般都会做出相应的反应，这种反应镜头可以传达情绪，可以将另一方的喜怒哀乐传达给观众，从而让观众产生共鸣，所以我们应该在对方有反应时去切换镜头。绝对不要为了一句台词就剪辑切换人物，而是要为了对方的反应去切换人物的镜头。

三、不同景别能够传达出不同的内容

远景：大点的能展现两个人物的关系， 以及人物与环境之间的关系。一般可以用在人物对话开始的第一个镜头或者最后一个镜头。同时也有一个非常重要的置放点，就是当对话的话题出现了变化时，可以用全景作为两段 没有关联话题之间的过渡。

近景：近景最能展现人物脸上的神情，在对话的过程中，如果产生了非常重要的信息或者反应，大多 数都会使用近景这个景别。一般来说人物提出疑问的话语时，也会上相应人物的近景， 就是我们说的远取其势，近取其神

四：剪辑不同情绪的对话

在剪辑紧张对话时，我们需要缩短对话之间的间隙，去制造紧张的氛围与真实感，因为在现实生活中，人物很紧张或者情绪很激烈时，语速会很快，话语之间的间隔会很短。

关于剪辑对白时要注意的剪辑点有哪些，环球青藤小编暂时和您分享到这里了。如果您对影视后期有浓厚的兴趣，希望这篇文章可以为您提供帮助。如果您还想了解更多关于摄像技巧、后期剪辑的方法及素材等内容，可以点击本站的其他文章进行学习。

干货|超实用的宣传片剪辑技巧

优漫：分享一些有价值的剪辑干货
下面的12个技巧可以帮助任何电影剪辑师做得更好。
作家奥利弗·彼得。
自编自导，色彩调制，后期制作总监，多次获得奥斯卡最佳剪辑奖。
当我剪辑一部数码电影时，我禁不住考虑剪辑风格的问题。下面的12点技巧，我想可以帮助任何电影剪辑师做得更好。的确，并非所有人都赞同这些观点，因为它们都来源于我的个人方式和风格。不过，我还是希望这些技巧能给你带来价值。
1.剪辑要简洁。
最好是剪短一些紧张的场面，但不要把它剪得太短。这就是说，演员对话中不必要的暂停需要被删除。缩小每个句子中间的空白处，甚至减少冗长无关紧要的对话。但在剪掉对话之前，请先向导演请教。
一般情况下，我的方法是从一开始就剪辑出准确的版本，而不是把长片子剪短。大多数观众的注意力通常不超过90分钟，相当于一部普通电影的长度。
假如一开始剪辑后电影长度约为100分钟，那么你基本上还需要继续剪辑至90分钟，使电影更加紧凑。但是如果一开始就把影片剪辑成两个小时或者更长，那就需要做一个“大手术”。
2.有时间再收集一些音乐
很多剪辑师喜欢用临时的背景音乐来剪辑电影，把临时的音乐作为一个占位符。这里，我提出两点理由来反对这种做法。
首先，一旦人们喜欢上临时音乐，就很难再找到合适的、感觉良好的音乐。
临时音乐会成了你的“精神支柱”。
你更能容忍无趣的场景配上有趣的音乐。在剪辑时，我更喜欢将电影中强有力的场景剪接到适当的地方，完美地呈现。若有一场戏能让自己站起来，那就是锦上添花。但蒙太奇的音乐设置却是个例外。所以在剪辑时我能做得更好。
3.请勿使用声音同步
原始的法网电视剧采用了特定的对话剪辑：声音和画面完全同步，没有重叠。通常使用的方法是：剪A画面-A讲完对白-剪B画面-讲完对白-剪回A画面，这样一直轮流剪下去。
裁剪大师WalterMurch把这一裁剪方式命名为“在线风格裁剪”。但是实际上，观众对于声音和图片不重合的反应会更好。这一音画分离剪辑方法被称为splitedits,L-cuts或J-cuts。
我觉得这个剪辑的方法更接近现实生活，我们先听别人说起话来，然后再抬头看。如果有人在说话，我们可以观察朋友的反应。这个剪辑方法更接近于人的自然反应，能让电影更流畅。
4.不要依靠技巧来转场，让画面自然匹配。
利用演员的动作，道具，视线或走位是剪辑场上的一种手段。
但是WaltMurchie说，最好的方法是让情感自然流露，或者剪掉平滑的叙述节奏，而技术性的剪辑则是最不需要考虑的。但是也绝对不能忽视，因为动作的不协调会使观众难以进入戏中。
但是有个视频剪辑朋友经常告诉我，“过度的匹配会束缚视频的剪辑。”假如观众能够完全进入戏剧，他们往往会忽视这些镜头中存在的断续问题。片断的责任在于尽可能地让观众参与情节。
5.动作镜头制造紧张气氛。
运动镜头是动作电影的主要拍摄手段，它可以是轨道相机，旋臂相机，稳定相机或者手持式相机。动作片通常会有一种紧张的气氛。
在剪辑电影时，我喜欢在镜头移动的时候做剪辑，保证一个镜头接一个镜头移动，但是很多导演兵并不这么认为，他们更喜欢在镜头移动之前剪辑，或者在镜头移动之前或者之后。但是我更喜欢紧凑的剪辑，让观众看得眼花缭乱。
6.多视角，多场景的混合剪辑。
假如导演拍了很多不同角度的镜头，不要总是机械地把镜头切回相同的角度，或重读刚才用过的同一种类型的镜头。
诚然，在一个对白场景中只有两个角度，很难避免重复剪辑，但如果导演要根据不同的需要拍摄不同的镜头框架，那不妨通过剪辑来体现导演的意图。
不受剪辑规则的限制，如主镜/单镜/反拍，近/远/近...等等。可试着混日子。
7.注意演员眼睛的剪辑。
从电视，电影到舞台，演员们都靠脸来吸引注意力，但最重要的是他们的眼睛。在剪辑激烈的对白时，我会注意演员的眼神。
它们传达了合适的情感吗？演员对戏剧有什么反应？这个演员的表演决定了我的表现。这一原则使得我更加关注于与主要演员的对话，而忽略了其他人的反应。
8.从演员表演中排除“空气”
类似于第一点——我喜欢小巧的片断。要注意的是大部分演员的表演都超出了适当的范围。演奏者将强调停顿，增加比剧本更多的错误，更多的口吃，以及更长的观看时间，但是剪辑的责任是通过适当的剪辑来让演出回归正常。
删去长篇大论的动作和对话，使影片真实而不做作。
9.构成故事情节
有人说，世上有三种类型的电影：剧本式、拍摄式和剪辑式。不管你剪辑的是什么类型的影片，都要高度关注故事的脉络，不要害怕改变剧本或拍摄的内容，只要它是有意义的。
很多剪辑师都是用镜头分割的剧本来记录从视觉上呈现故事情节。它能帮助你决定用最通顺的逻辑向观众呈现故事。
10.编导的任务就是根据电影的节奏安排故事情节。
首先是要帮助导演达到有创意的视觉效果。但你也应该有自己的想法。
大多数的裁剪师独立完成初剪。那是你第一次在电影中打上个人标签的机会。最初剪辑完成后，导演将与剪辑师共同努力，将剪辑改为导演所希望的版本。
您在剪辑和改变某个演员的表演时所做出的各种选择，都会影响观众看电影的感觉。例如，删去对话中重复的部分就能使画面更有张力。它传递了一个信息，就算是剪辑工作的完成也不能怠慢。
剪辑师可以很容易地改变场景传达的情感，所以任何决定都必须服从于情节。当然，如果有合理的理由，并得到主管的同意，你可以做这样的剪辑，如果不同意就提出替代方案。
11.在选择最佳场景之前，我喜欢回顾取景镜头。
一开始，导演可能会把第三和第四个镜头作为取景范围，我可能会先用第一个镜头，然后是第四个镜头的后半部分。重复介绍演员对话对白时，我常常将包含很少拍摄镜头的场景剪辑下来。当你想要解释为什么要做这个片段时，也要准备好应对变化。
大多数导演不会在后期制作时回顾每一个取景镜头，他们会根据你所剪辑的表演进行修改，不管你是否欣赏演员的表演。假如他们确实喜欢某个演员的不同表演，他们会建议修改片段或者从取景镜头中找出合适的部分。片中的场景越生动，表演也越有说服力，导演就越能接受你的技巧。
优漫动游